Gojira on tour I. 1954-1966

Gojira (Godzilla), Inoshiro Honda, 1954

En même temps qu'il crée une nouvelle icône du cinéma, le réalisateur Inoshiro Honda livre là pour les studios Toho le maître étalon d'un genre qui allait devenir immensément populaire au pays du soleil levant : le "kaiju eiga" ou film de monstres géants. Par son ton constamment grave, ce Gojira premier du nom demeure sans doute comme son représentant le plus digne. Et tandis que ses rejetons n'auront droit qu'à des comédiens de seconde zone, celui-ci bénéficie de la présence de l'épatant Takashi Shimura, acteur fidèle de Kurosawa (et Honda collabora lui-même à plusieurs reprises avec le maître du cinéma nippon). Godzilla se démarque de même par sa photographie noir et blanc, particulièrement propice à l'émergence de visions terrifiantes au réalisme quasi documentaire. Le film signe également la naissance du formidable thème musical d'Akira Ifukube, riche d'une inquiétante majesté.

Fidèle en cela à une certaine tradition du film de monstres, Honda dissimule le plus longtemps possible l'apparence de sa créature, s'attardant dans un premier temps sur les conséquences de son passage, qu'elles soit materielles ou humaines. Il décrit l'effarement qui saisit une population face à une catastrophe aussi incroyable. Héritier des monstres créés par Willis O'Brien pour The Lost world (Hoyt, 1925) et surtout King Kong (Cooper & Schoedsack, 1933), Godzilla se manifeste certes par la destruction de maquettes urbaines. Mais il est avant tout l'incarnation du traumatisme de la bombe atomique. 

Terre de catastrophes naturelles, le Japon subissait en 1945 un désastre qui allait profondément marquer son imaginaire. Les ruines et la menace d'un cataclysme deviennent  alors la principale phobie d'un peuple, et l'on ne compte plus les films et les mangas qui mettent en scène des mégalopoles réduites en poussière, comme autant de symboles de la vanité humaine, de l'inconscience scientifique ou de l'égoïsme politique. Créature antédiluvienne éveillée par les bombardements nucléaires, le lézard géant au souffle radioactif renvoie l'homme à sa mauvaise conscience. Le charabia scientifique et la victoire finale des humains ne suscitera nulle réelle exaltation, car nous savons désormais que rien ne nous préservera d'encourir prochainement une nouvelle colère divine.

Sora no daikaijû Radon (Rodan), Inoshiro Honda, 1956

Ce ptérodactyle géant ("Radon" en VO) est un des membres les plus attachants de la famille des monstres nippons. Sa silhouette ne manque pas d'allure et le déplacement d'air qu'il provoque et qui emporte tout sur son passage, pareil au souffle d'une explosion atomique, donne souvent lieu à de fascinantes images. Néanmoins, il faut bien le dire, ce film est franchement peu imaginatif, ou bien il a perdu de son impact après tant d'autres œuvres du même tonneau. En effet sur le plan du récit le spectateur a constamment plusieurs longueurs d'avance sur les personnages. Honda ne parvient pas à maintenir l'attention, s'acharnant à enrober la menace d'un mystère vite éventé : le film s'appelle Rodan, il y a un gros monstre ailé sur l'affiche, pas la peine de tenter de nous tenir en haleine, on sait d'emblée qui est le responsable. Si au moins il y avait une intrigue avec les humains digne de ce nom. Mais non, contrairement à la plupart des kaiju eiga qui s'arrangent toujours pour avoir une narration même empreinte de naïveté, Rodan propose un récit désespérément plat. Toute la première heure est en effet consacrée aux différentes investigations des hommes au sein d'une mine ou d'un cratère, succession de scènes de réunion entre pseudo-scientifiques et militaires. Pas de héros à suivre, et l'ennui finit par pointer malgré les apparitions tout de même sympathiques d'une espèce de fourmi géante au cri horripilant. 

Plastiquement, le film nous offre heureusement de jolies images en Technicolor, tant dans la mine que sur les pentes des montagnes. Son plus gros défaut est qu'on ne voit pas assez Radon. Parce qu'une fois sorti de son trou, son carnage en ville est vraiment réussi, avec des maquettes non seulement très détaillées mais magnifiquement détruites. Œuvres du magicien Eiji Tsuburaya, les immeubles miniatures se désagrègent en effet avec un réalisme stupéfiant. Certes, l'animal n'a aucune grâce dans son pitoyable battement d'ailes, et les câbles qui le soutiennent sont un peu trop souvent visibles. Mais son impact est bien réel, surtout lorsqu'un second spécimen le rejoint dans la mêlée. Bien qu'émouvante comme il se doit, la fin des deux compères s'avère décevante : un pauvre défilé de stock shots d'explosions et de tirs de roquettes déclenche une éruption volcanique entraînant la mort des bestiaux sans plus de résistance que cela.

Furankenshutain no kaijû : Sanda tai Gaira (La Guerre des monstres), Inoshiro Honda, 1966

Visuellement et thématiquement, il s'agit sans doute là d'un des plus beaux kaiju eiga sorti des studios Toho. À première vue, le film ne se détache pourtant pas vraiment du genre en ce qui concerne les personnages humains et l'intrigue : même schéma narratif éculé (manifestations du monstre, incrédulité des autorités, déploiement lassant de forces militaires), interprétation au rabais (Russ Tamblyn en guest star), personnages aux réactions/déductions d'une bêtise désarmante, etc. Mais l'ensemble se suit sans ennui, et l'on peut sans trop de difficulté trouver du charme à ces approximations. Akira Ifukube est toujours de la partie et compose un thème fort agréable avec ses envolées de trompettes, ainsi qu'une chanson pop en anglais assez irresistible. L'essentiel étant bien sûr les gros monstres promis par le titre, et qui bénéficient ici d'un traitement royal. Leur design ne semble pas à première vue des plus réussis et pourtant, peut-être parce qu'ils  sont humanoïdes, les deux géants témoignent d'une expressivité bien plus poussée que les mutants caoutchouteux de la bande à Godzilla. 

Du coup, leur relation est vraiment intéressante, basculant tragiquement du soutien fraternel à l'affrontement fratricide. L'un est bon et proche des humains, l'autre n'est qu'une brute, mais Honda évite de verser trop facilement dans le manichéisme et crée des images d'une inattendue poésie, comme celle qui surprend un des monstres en train de s'abreuver paisiblement à un fleuve. Ce n'est pas un hasard si cette Guerre des monstres évoque tantôt King Kong, tantôt Frankenstein, car Honda en a toujours assumé l'héritage. Les combats sont plus gargantuesques que jamais avec des maquettes généreusement maltraitées. Les décors surprennent d'ailleurs par leurs vastes dimensions, offrant ainsi des plans assez inédits et très dynamiques. Le spectacle est aussi violent que fascinant et le film se conclut sur une note pleine d'inquiétude puisqu'il voit défiler le générique de fin alors que rien n'a confirmé la mort des géants. Nous sommes encore dans la période sérieuse du genre, avant l'infantilisation dans laquelle il va bien vite sombrer.

DOSSIER GODZILLA :

II. 1967-1975

III. 1984-2016

Fast and furious

John Carpenter's Christine, 1983

Avec : Keith Gordon, John Stockwell, Alexandra Paul, Robert Prosky, Harry Dean Stanton...

À l'orée des années 1980, Stephen King est un écrivain déjà reconnu qui semble avoir acquis définitivement les faveurs de Hollywood. Après Carrie (Brian De Palma, 1976) et The Shining (Stanley Kubrick, 1980), après la collaboration avec George Romero sur le film à sketches Creepshow (1982), la seule année 1983 voit arriver sur les écrans pas moins de trois nouvelles adaptations : Cujo (Lewis Teague), Dead Zone (David Cronenberg) et le titre qui nous intéresse ici, Christine, par John Carpenter. 

Les histoires de véhicules démoniaques et meurtriers avaient déjà inspiré le cinéma. On retiendra en particulier Duel (Steven Spielberg, 1971) et The Car (Elliot Silverstein, 1977), et on laissera de côté The Love Bug (Robert Stevenson, 1968), la gentille coccinelle des studios Disney. Passionné d'automobile, King prolongera cette thématique avec son film Maximum Overdrive (1986), son roman Roadmaster (2002) ou sa nouvelle Un tour sur le bolid', portée à l'écran par Mick Garris en 2004, qui y faisait un clin d'œil à une Christine ressuscitée.

Confiée au maître du fantastique John Carpenter, le film Christine a été mis en chantier avant même la parution du roman, selon une formule qui sera par la suite systématiquement appliquée : les producteurs achètent les droits parfois sur l'annonce du seul titre, persuadés qu'il s'agira de toute façon d'un best-seller et considérant la simple présence du nom de King sur une affiche comme un argument de vente suffisant...

Lire la critique complète et le test DVD sur le site DVDClassik.

Ode à Hermann

Comanche, 1969-1983
Né en 1938, Hermann fait son entrée officielle dans le milieu grâce à Greg, un pilier de la bande dessinée franco-belge qui, à l'instar d'un Goscinny (pour Pilote) ou d'un Raoul Cauvin (pour Spirou) a scénarisé à tour de bras, formant ainsi de nouvelles générations d'auteurs. Après quelques bouts d'essais pour Le Journal de Tintin (courts récits du genre Oncle Paul), Hermann se voit donc confier par Greg sa première véritable série : Les Aventures de Bernard Prince. 

Puis c'est Comanche, un western dont le rôle-titre est tenu par une femme, farouche propriétaire de ranch. Au départ fortement influencée par le style de Giraud, le prolifique Hermann va véritablement y prendre ses marques. La série commence de manière traditionnelle avant de trouver un ton progressivement plus adulte. Hermann parvient à imposer de plus en plus sa personnalité sur les histoires, avec son goût pour les personnages désabusés (ici, le cowboy Red Dust). 

Jeremiah, 1979-2015
Il lui faudra un certain courage pour s'affranchir définitivement de la tutelle de Greg. Formé à bonne école, l'artiste a trouvé sa voix et ne craint plus d'assumer désormais seul le scénario. Il se lance ainsi dans sa propre série : Jeremiah. Dans cet univers post-apocalyptique proche de celui illustré la même année par le Mad Max de George Miller, Hermann réinvente les codes du western. C'est une série qui m'est particulièrement chère, qui a notamment donné lieu à de véritables pépites (Un hiver de clown). On s'y plaît à retrouver ces deux antihéros que sont Jeremiah et Kurdy, comme deux vieux copains à nous dont on suit les brouilles et réconciliations, et qui nous permettent de traverser ce monde hostile avec un peu de courage, même si sans réel espoir de voir les choses s'améliorer. 

Hermann s'y révèle dialoguiste génial, et metteur en scène virtuose capable de plonger le lecteur dans un suspense à l'efficacité cinématographique (quitte à tourner à l'exercice de style comme dans Fifty-fifty qui ne raconte finalement rien et n'est qu'une démonstration jubilatoire de la pleine maîtrise de l'auteur). Et derrière le divertissement de l'aventure, la parabole n'est jamais loin, et chaque tome est l'occasion d'une nouvelle dénonciation des lâchetés humaines, des impostures tantôt politiques tantôt religieuses. Si son talent déborde à chaque page, son inspiration ne sera donc pas en reste puisqu'il va réussir à mener de front cette passionnante épopée avec ce que je considère comme une des plus belles créations du neuvième art...

Les Tours de Bois-Maury, 1984-1994
Commencé dans les années quatre-vingt, le premier cycle des Tours de Bois-Maury compte dix albums. Hermann s'y lance un courageux défi : réaliser une grande fresque historique sur le Moyen-Âge, loin des clichés, mêlant l'épique à l'intimiste. Dans chacun de ses opus, il parvient en effet à installer une intrigue totalement prenante. En quelques cases, les personnages et les enjeux qui les animent sont posés, laissant suffisamment de champ à l'imagination du lecteur pour combler les ellipses et les non-dits. Aucun manichéisme, aucun héroïsme déplacé. Nulle volonté d'idéaliser. 

Si le protagoniste est bien Aymar de Bois-Maury, chevalier errant qui rêve de reconquérir ses terres (ici évidemment l'objectif compte moins que le chemin qui y mène), chaque tome porte le nom d'un personnage secondaire, comme s'il s'agissait d'aborder l'histoire par la tranche. On recroise à l'occasion ces destins souvent tragiques, ces portraits d'hommes et de femmes qui aiment, souffrent, vivent et meurent. Nous sommes à l'époque des croisades, de l'ouverture à l'Orient, des pèlerinages, des constructions de cathédrales, toutes ces gloires qu'a retenues l'Histoire en oubliant parfois ceux qui les vécurent en marge. Apothéose de ce parcours, le dernier volet de ce premier cycle, Olivier, est à lui seul une bouleversante expérience de lecture.

Hermann reconstitue ces temps lointains avec un grand soin, tant du point de vue des décors et accessoires que du langage et des modes de vie. Il nous offre ici sans doute un des plus justes témoignages sur cette période faite de boue et de sang. Sa vision me touche finalement davantage que celle proposée avec pourtant le même souci d'authenticité par Bourgeon sur Les Compagnons du crépuscule. Chez Hermann, le trait est plus chaleureux, sensuel même. Son sens du découpage est prodigieux dans les séquences d'action, comme dans les moments de contemplation. La nature y est magnifiée comme rarement, notamment grâce à la mise en couleurs de Fraymond. 

Sarajevo-tango, 1995
Un tournant se produit en 1994. Écœuré par la guerre qui fait alors rage en Bosnie sous les yeux impuissants d'un Occident bien-pensant, Hermann décide de s'impliquer à sa manière et livre un album comme un cri de colère. Ce sera le one-shot Sarajevo-tango, mélange audacieux de bande dessinée engagée sous des dehors de polar exemplairement mené, qui en plus n'hésite pas à basculer à l'occasion dans la satire. Hermann y change soudainement sa manière de dessiner, passant à la couleur directe appliquée directement sur ses crayonnés. Son style gagne une nouvelle liberté. 

Il conservera cette technique sur toutes ses autres parutions, poursuivant encore aujourd'hui une carrière follement prolifique, même si je l'ai un peu perdu de vue. De nouveaux tomes de Jeremiah paraissent régulièrement, il a relancé un nouveau cycle de Bois-Maury, collabore sur des one-shots en solo ou avec d'autres (son fils Yves H. mais aussi Van Hamme), ce qui donne à l'arrivée facilement une à deux publications par an. La virtuosité du dessin et du découpage est intacte, et les sujet toujours aussi audacieux. Je ne désespérais pas qu'il obtienne enfin un jour le Grand prix de la ville d'Angoulême, consécration plus que méritée même s'il n'est pas du genre à courir après ce genre d'honneurs, bénéficiant déjà des faveurs d'un lectorat fidèle.

Du no future en bande dessinée

Jamie Hewlett & Alan Martin, Tank girl, 1988-1995

Avant que son style devienne mondialement identifiable suite au monstrueux succès du groupe Gorillaz, Jamie Hewlett réjouissait déjà une frange de fans non négligeable. Conçue avec la complicité d'Alan Martin au scénario, Tank girl n'a eu besoin que d'une poignée d'années pour imposer un univers, une esthétique et un ton sans équivalents. La série eut même sa petite heure de gloire en 1995 avec la sortie sur les écrans du film éponyme de Rachel Talalay avec Malcom McDowell, Iggy Pop ou encore Naomi Watts. Cette adaptation fit à sa sortie un méchant bide, néanmoins ce fut à cette occasion que l'éditeur Vents d'ouest eut l'heureuse idée de rassembler les nombreux épisodes de la bande dessinée prépubliés par feue la revue Gotham. Le recueil souffre néanmoins d'une traduction un peu trop zélée, et j'ignore si celle-ci a été revue lorsqu'Ankama a proposé quinze ans plus tard sa propre compilation. 

Entre le délire non-sensique des histoires et des personnages, et la virtuosité déjà affirmée du dessin de Hewlett, la lecture de ces pages est un régal qui se renouvelle carrément à chaque case, dans un noir et blanc délicieux à détailler. On s'inquièterait presque de la santé mentale d'auteurs capable de pondre des épisodes qu'on croirait écrits sous acide, impossibles à résumer et aimant pratiquer la mise en abîme, avec adresse au lecteur, improvisation de chute, etc. L'univers dépeint propose un croisement explosif entre Chuck Jones et Mad Max. Au début, si notre héroïne — incroyablement grossière sans jamais perdre pour autant sa féminité, avec son look qui tue — est effectivement aux commandes d'un tank destructeur au cœur du bush australien, et partage son pieu avec un kangourou mutant, par la suite ça devient du n'importe quoi punk en roue libre et à haute valeur jubilatoire.

Jano, Gazoline et la planète rouge, 1989

Avec Jano c'est un peu toute une époque révolue qui ressurgit. Celle de la BD alternative des 80's, de Métal hurlant et L'Écho des savanes, de Tramber, Dodo et Ben Radis. Des artistes dégagés de l'influence de leurs aînés, pratiquant l'irrévérence et l'iconoclasme avec une fraîcheur bienvenue. Au fil de ses bandes, des coups de cric de Kebra le rat de banlieue, à la belle vie en terre africaine de Keubla le rat bourré au kif, le style de Jano s'est affirmé, jusqu'à être capable d'une finesse de trait presque maniaque, qui culminera avec ses superbes carnets de voyage, loin du style trash de ses débuts. 

Réalisé en 1989, Gazoline et la planète rouge s'inscrit dans le prolongement direct de l'album Le Zonard des étoiles, qui mettait en scène Kebra paumé dans un univers de SF bien destroy. Dans cette nouvelle aventure, Gazoline est une héroïne pleine de ressources et qui n'a pas froid aux yeux lorsqu'il s'agit de faire face aux pillards comme aux vicelards qui la convoitent. Elle se débrouille pour survivre dans un monde sans foi ni loi, au sein d'une planète à l'apparence désertique couverte de cactus, qui devient soudain la proie d'une invasion d'aliens cannibales. Paru à l'origine chez Albin Michel, l'album donne parfois l'impression de remplir le cahier des charges propre à l'éditeur avec quelques scènes de cul certes marrantes mais un peu forcées. Science-fiction oblige, Jano invente ici tout un bestiaire incroyable et coloré et mène son récit sur un rythme enlevé. L'argot est toujours très présent et on se délecte des trouvailles de langage de chaque bulle. On appréciera de même le soin du détail dans les vêtements, la crédibilité des décors tant naturels que mécaniques, l'ampleur des scènes d'affrontement, l'esthétique colorée des cieux pareils aux motifs de tissus africains, le travail inspiré sur la mise en page grand format.

Ivan Brun, No Comment, 2008

Grosse baffe, donnée avec autant de rage que de désespoir. Brun nous propose ici un voyage inconfortable et très décapant dans le no future, en une suite d'histoires courtes et muettes dressant le désolant tableau d'un monde qui ressemble trop bien au nôtre. L'auteur impose à chaque planche un découpage rigoureux, semblant ainsi exposer méthodiquement les évolutions logiques et impitoyables de la loi du marché, dans toutes les strates de la société et dans tous les pays, avec une réelle volonté d'aboutir à un propos universel, volonté appuyée précisément par l'absence de dialogues et le recours aux idéogrammes.

Il y est question d'écologie, de télé réalité, de misère sociale, de corruption comme d'oppression. Et c'est fait sans pour autant déboucher sur une morale, on est dans le constat froid, clinique, à peine exagéré. Le tout emballé par des trouvailles graphiques et un goût du détail carrément affolant, dans un style qui n'est pas sans évoquer certains auteurs indépendants américains maniaques des petits traits. C'est sans doute l'une des bandes dessinées les plus dérangeantes que j'ai lues, vers laquelle on ose à peine revenir, ou alors en tremblant. Auteur discret, Brun semble avoir ici déjà tellement livré de choses qu'on n'a plus trop eu l'occasion depuis de voir d'autres ouvrages signés de son nom, l'artiste préférant apparemment plutôt se consacrer à la peinture.

Walt Disney pictures presents : Pixar (1995-2004)

Toy story 2, John Lasseter, 1999
Au-delà de son indiscutable importance historique, le premier Toy story réalisé par John Lasseter en 1995 tient encore le coup, et a déjà tout d'un classique. Le film parvient en effet à faire totalement oublier la technologie inédite qu'il employait alors pour mettre en avant son histoire et ses personnages. Pixar s'est ainsi imposé comme un studio de véritables conteurs, pliant l'outil informatique selon les exigences d'un scénario solide. 

Après l'excellent A bug's life (1001 pattes), délicieux mix entre Maya l'abeille et Les Sept samouraïs, Lasseter enchaîne avec la suite de son titre de gloire, qui reste à mon sens le film le plus équilibré du studio tant dans son humour que dans ses idées. Maniant avec autant de bonheur le pastiche, la parodie, la nostalgie et l'action, ce deuxième volet est un spectacle réjouissant. Les gags sont non seulement nombreux mais irrésistibles, le récit ne connaît pas de temps morts et ne manque pas de poésie. Le scénario extrêmement malin développe sans lourdeur une réflexion bien plus poussée que dans le premier film, sur le rapport entre le jouet et son propriétaire, et plus largement sur nos différents liens à l'enfance, celle dont on s'éloigne, celle qu'on retrouve. Le film pose sans en donner l'impression toute une série de questions assez vertigineuses mais avec toujours des solutions visuelles purement cinématographiques, exploitant à fond les rapports d'échelles entre monde des jouets et monde des humains. Et le rendu de ces derniers est lui-même bien plus convaincant que dans l'opus 1. Quant on pense que cette suite fut dans un premier temps destinée au marché vidéo. Mais le studio n'est manifestement pas capable de faire dans le sous-produit, et la qualité du film surpasse celle de ses prédécesseurs.

Monsters, inc. (Monstres et Cie), Pete Docter, David Silverman, 2001

Quatrième long-métrage Pixar, produit sous l'égide de Disney. Il faut se rendre à l'évidence : c'est complètement fou de posséder en son sein autant de talents. Le film respire l'intelligence dans chacun de ses choix. L'histoire est vraiment originale et agréable à suivre, l'humour fonctionnant par touches plus ou moins discrètes qu'une seule vision ne suffit pas à percevoir. En effet, la quantité de créatures curieuses qui se baladent dans les arrière-plans est phénoménale, tandis que Mike l'œil sur pattes est doté d'une logorrhée verbale telle qu'on ne saisit pas forcément toutes ses vannes dès la première écoute. Un revisionnage m'a par exemple permis de découvrir ce gag assez barré lorsque Mike et Sulli se retrouvent chez l'abominable homme des neiges. Celui-ci leur sort des cornets de glace jaunes qui inspirent à Mike une expression dégoûtée. Le yéti s'empresse de le rassurer en disant qu'il s'agit de glaces au citron...

Le rythme du film est particulier, consistant pour une grande partie en un jeu de cache-cache dans les couloirs de Monsters, inc. Et comme c'est pratiquement toujours le cas chez Pixar depuis Toy story, on nous réserve un numéro de bravoure en guise de climax, avec ce ride jouissif sur les portes, séquence d'action littéralement ébouriffante et encore pleine de gags, les personnages franchissant les portes pour se déplacer. La réalisation est impeccable, sans effets superflus. L'animation est impressionnante, autant par le réalisme de la fourrure de Sulli que par la capacité du studio à rendre expressif un personnage monoculaire. D'ailleurs tous les designs des monstres sont réussis et vraiment rigolos. La musique jazzy de Randy Newman emballe le tout avec une grande classe et le bêtisier du générique de fin est comme toujours bienvenu.

Mais la véritable réussite du film réside sans doute dans le personnage de Bouh, gamine complètement craquante dont les gestes et expressions ont été particulièrement soignés ainsi que son langage : on ne comprend pas ce qu'elle dit, parce qu'on est invité à adopter le point de vue des monstres. Il faut dire que les doubleurs sont tous excellents et apportent beaucoup de personnalité aux personnages. On notera notamment les noms de John Goodman, Billy Crystal, Steve Buscemi, James Coburn, Jennifer Tilly et Frank Oz. C'est peu de dire que le film s'achève sur une note absolument poignante, entre les yeux humides de Sulli et l'inoubliable tout dernier plan. Bref, humour, rythme et émotion au rendez-vous, que demander de plus ? On trouvera dans l'excellent DVD du film un court-métrage hilarant avec Sulli et Mike, intitulé Mike's new car, ainsi que les storyboards animés de concepts abandonnés qui montrent que le film devait être assez différent à la base (Sullivan n'étant qu'un ouvrier de bas étage se rêvant champion des scary monsters, tandis que Mike était l'assistant de Randall, le méchant caméléon). 

Finding Nemo (Le Monde de Nemo), Andrew Stanton, 2003 
De tous les Pixar vus, celui-ci reste celui qui m'a semblé le plus anecdotique, celui devant lequel mon enthousiasme est resté contenu. La linéarité de l'histoire ne m'a pas vraiment passionné, fonctionnant comme une suite de rencontres épisodiques à la légéreté très ciblée vers un public enfantin. Visuellement, les fonds sous-marins ne sont pas ce qu'il y a de plus variés, et même si le rendu est convaincant, ce n'est pas particulièrement réjouissant pour l'œil. 

Mais ça reste incontestablement un spectacle de très haute volée, et malgré les grosses ficelles conviées, je ne peux m'empêcher d'être saisi par l'émotion que cette quête du fils peut susciter. Plus gros succès du studio, Finding Nemo va l'air de rien confirmer que la technique du dessin animé en 3D doit s'imposer dans le monde entier. Désormais tous les gros studios d'animation hollywoodiens vont basculer à la 3D, de Disney à Dreamworks, condamnant sans appel l'industrie de l'animation traditionnelle.

The Incredibles (Les Indestructibles), Brad Bird, 2004

Voir ces super-héros en action fut un pur plaisir. Du combat contre la machine ingénieuse (dont la super-invincibilité n'est pas sans rappeller l'arme ultime qu'était aussi le Géant de fer), aux surfs sur glace de Frozone, de la course dans la forêt de Flèche, aux déanchements sensuels d'Elastigirl, on en prend plein les yeux et on finit la bave aux lèvres. Le film est magnifié par le superbe character design. Madame Indestructible est tout à fait charmante, tandis que la fille, par ses grands yeux, ses longs cheveux noirs, sa conscience de freak et son corps filiforme n'est pas sans évoquer certaines créations burtoniennes. Les expressions et les attitudes du personnage de Syndrome en particulier sont à tomber par terre, et l'ensemble est brillamment soutenu par les doubleurs. Et pour avoir vu les deux versions, je ne peux que féliciter le soin accordé par Disney à la VF. Je ne sais pas si ça a été fait consciemment, mais j'ai parfois vraiment eu l'impression que le film s'efforçait de ressembler à de l'animation en volume, tant la 3D est réussie. L'esthétique des décors, très 60's est un autre cadeau pour le spectateur. Sans parler de la beauté de la jungle.

Mais si ce film obtient tout mon respect, c'est par le travail incroyable de Brad Bird en tant que metteur en scène. Ce monsieur possède un sens de l'image proprement prodigieux. Usant à bon escient d'une grammaire parfaitement maîtrisée (passages type caméra portée, travellings de fous, raccords dans le mouvement plein de grâce), certains enchaînements de plans, certains cadrages sont époustouflants, profitant pleinement de la technique numérique sans abuser de ses possibilités, créant un dynamisme d'une maîtrise rare. Enfin, le score de Michael Giacchino, rendant clairement hommage à un style de films cools tels que pouvaient les accompagner John Barry, Henry Mancini ou Lalo Schiffrin, est démentiel. Véritablement révélé avec ce film, le compositeur entrait ici définitivement dans la cour des grands.

Si l'émotion est moins conviée que dans le bouleversant Géant de fer, elle n'en reste pas moins présente, et on peut vraiment louer Bird pour avoir su rendre cette famille si vite attachante. Les voir enfin réunis et se témoigner leur affection réciproque face au danger, est tout a fait touchant. De même toute la dimension critique liée au statut du super-héros, à sa difficile intégration dans la société, est exploitée avec intelligence et justesse, tout en restant dans les limites contractuelles du divertissement. Le film ayant été un carton commercial, qui plus est unanimement célébré par la critique, je ne m'explique toujours pas qu'une suite n'ait pas été entreprise. Pixar comme Disney ayant montré très tôt qu'ils ne sont pas du genre à s'en priver.

DOSSIER WALT DISNEY PICTURES :

Le Royaume enchanté
Fantasia 1940-2000
Films d'animation 1948-1959
Films d'animation 1981-1989

Films d'animation 1991-1999

Films d'animation 2000-2009
Pixar 2006-2010

Films live 1954-1964

Films live 1981-2006