Godspeed
You Black Emperor ! est un groupe basé à Montréal, en activité depuis 1994.
S’inscrivant dans une formule familière guitare/basse/batterie, leur musique
s’est dès le début portée vers une esthétique de la marge, gagnant avec le
temps une rigueur et une éthique à toute épreuve. Leurs compositions reposent
sur une base simple : la guitare joue seule et lentement le thème mélodique en
introduction. Les autres instruments la rejoignent par couches successives
jusqu’à l’arrivée de la batterie, puis le rythme s’accélère vers une envolée à
haute teneur en décibels. Soit une structure typique du pop-rock. Sauf
qu’ici les morceaux sont instrumentaux et ne durent jamais moins de 10
minutes. Au-delà du choix de
l’instrumental, une telle durée les rend irréductibles au format des radios. Ce
qui les réserve à un public ouvert et sincère (élitiste, peut-être ?).
All lights fucked on the hairy amp drooling (1994)
Leur premier enregistrement autoproduit est une cassette tirée à 33 exemplaires. On y trouve déjà à l’œuvre une volonté anti-starsystem : titres à rallonge, pochette au graphisme artisanal et minimaliste parfois abscons qui empêche toute identification. La musique compte plus que ceux qui la font. C’est le seul aspect qui doit être pris en compte. Les musiciens prendront toujours garde de prolonger l’esprit qui anime leur démarche créative sur tous les aspects de leurs disques, le fond rejoignant la forme. Le groupe s’avère ici composé des seuls Efrim et Mauro. Sur tous les albums suivants, si les prénoms sont à la rigueur tolérés, il n’y a jamais de photos des auteurs. Côté musique, ce premier essai montre déjà leur intérêt pour les sons extra-musicaux. Leur marque de fabrique consistera en effet par la suite à mixer à leur matière musicale des enregistrements d’ambiances, des voix, des bruits, glanés et archivés par les différents membres au fil de leurs déplacements. La plupart du temps en anglais, il peut tout aussi bien s’agir de monologues d’acteurs, vagabonds, poètes de rue, prêcheurs, fanatiques, enfants. Des laissés-pour-compte, en rupture de ban, élevés par le groupe au rang de porte-paroles, délivrant leur message social ou politique à leur place. La parole est alors légitimée parce que hors du champ musical, prise sur le vif donc vraie. Dans cette mise en scène sonore, le mélange de fiction et de réalité crée un langage fascinant.
Leur premier enregistrement autoproduit est une cassette tirée à 33 exemplaires. On y trouve déjà à l’œuvre une volonté anti-starsystem : titres à rallonge, pochette au graphisme artisanal et minimaliste parfois abscons qui empêche toute identification. La musique compte plus que ceux qui la font. C’est le seul aspect qui doit être pris en compte. Les musiciens prendront toujours garde de prolonger l’esprit qui anime leur démarche créative sur tous les aspects de leurs disques, le fond rejoignant la forme. Le groupe s’avère ici composé des seuls Efrim et Mauro. Sur tous les albums suivants, si les prénoms sont à la rigueur tolérés, il n’y a jamais de photos des auteurs. Côté musique, ce premier essai montre déjà leur intérêt pour les sons extra-musicaux. Leur marque de fabrique consistera en effet par la suite à mixer à leur matière musicale des enregistrements d’ambiances, des voix, des bruits, glanés et archivés par les différents membres au fil de leurs déplacements. La plupart du temps en anglais, il peut tout aussi bien s’agir de monologues d’acteurs, vagabonds, poètes de rue, prêcheurs, fanatiques, enfants. Des laissés-pour-compte, en rupture de ban, élevés par le groupe au rang de porte-paroles, délivrant leur message social ou politique à leur place. La parole est alors légitimée parce que hors du champ musical, prise sur le vif donc vraie. Dans cette mise en scène sonore, le mélange de fiction et de réalité crée un langage fascinant.
Avec ce premier vrai disque, dont le titre confirme ce refus de la lisibilité, le duo s’est élargit, est devenu bande. Une liste des membres nous est donnée sans que l’on sache qui joue quoi, sachant que les auteurs des dessins et photos qui illustrent les pochettes sont crédités sur le même plan que les musiciens. On peut s’en tenir au générique suivant : Aidan, Bruce, David, Moya, Mauro, Thierry, Norsola, Efrim, pour ce disque, auxquels s’ajouteront ensuite, Sophie (au violon) et Roger (à la guitare). On y entend des guitares, des basses (électrique et contrebasse), un ensemble à cordes (violons, violoncelle), des percussions (batterie, cloches, cymbales), des vents (cuivres, clarinettes) et autres boîtes à musique. D’abord sous forme de vinyle (500 copies numérotées), l’album est réédité en CD dans un boîtier plastique standard. Par la suite, les CD seront glissés dans des pochettes cartonnées imitant celles des 33 tours (format qu’ils n’ont jamais abandonné).
Le
packaging de F#A# infinity, toujours
aussi sobre et réalisé avec un soin maniaque, mélange le papier et le calque,
d’étranges shémas mécaniques, des textes en russe, des découpages, collages,
dessins, et photos de pylônes éléctriques, de bords d’autoroutes ou d’une locomotive
renversée. Des informations plus précises font leur apparition, concernant
l’état d’esprit qui a guidé les musiciens. Les notes de pochette tapées à la
machine s’attardent sur la description de l’atmosphère qui a règné dans et
autour du lieu d’enregistrement, un loft à Montréal baptisé Myghty Hotel 2
Tango, qui demeurera leur studio de mixage privilégié. Les conditions de
production sont également racontées (de la location du 16-pistes analogique à
la participation d’amis qui offrent leurs services — bandes magnétiques ou
instruments). C’est une impression d’isolement et d’abandon urbain qui est mise
en avant, dont ils tentent de tirer une poèsie profonde et lente. Leur musique
met en scène des ambiances désolées, d’architectures et d’êtres abandonnés,
parfaites pour un road-movie. Elle crée une atmosphère de fin du monde, où elle
seule serait encore capable d’être comprise des hommes. Les bandes magnétiques
enregistrées par le groupe témoigneraient d’avant la catastrophe. Dans une
société occidentale en péril, ils tentent d’imaginer le son de notre futur,
sans désespérer (s’il y a futur, il y a espoir).
Le disque est composé de 3 longs morceaux instrumentaux (16, 17 et 30 minutes) aux tessitures riches, construits sur la répétition, sans démonstrativité. Un véritable effet de transe finit par naître de leur montée en puissance. Au bout de 10 minutes, un morceau a ainsi pu s’éloigner suffisamment de son point de départ pour être déjà dans un tout autre type de proposition. La base reste rock, mais la présence de cordes, de cuivres et d’extraits de voix, dans un contexte de longue durée, inspire désormais un rapprochement avec un style qu’on pourrait qualifier de post-rock progressif, dans une mouvance qui réunirait Slint, les Ecossais de Mogwai, les Islandais de Sigur Rós ou les Français Rien et Rroselicoeur (instrumentaux longs, mélodiques, anti-virtuoses).1 Affiliés un temps à ce courant, les Américains de Tortoise quant à eux révèlent devoir davantage au jazz.
Le disque est composé de 3 longs morceaux instrumentaux (16, 17 et 30 minutes) aux tessitures riches, construits sur la répétition, sans démonstrativité. Un véritable effet de transe finit par naître de leur montée en puissance. Au bout de 10 minutes, un morceau a ainsi pu s’éloigner suffisamment de son point de départ pour être déjà dans un tout autre type de proposition. La base reste rock, mais la présence de cordes, de cuivres et d’extraits de voix, dans un contexte de longue durée, inspire désormais un rapprochement avec un style qu’on pourrait qualifier de post-rock progressif, dans une mouvance qui réunirait Slint, les Ecossais de Mogwai, les Islandais de Sigur Rós ou les Français Rien et Rroselicoeur (instrumentaux longs, mélodiques, anti-virtuoses).1 Affiliés un temps à ce courant, les Américains de Tortoise quant à eux révèlent devoir davantage au jazz.
Prouvant
leur tentations avant-gardistes, les Québécois citent volontiers parmi leurs
influences les musiciens répétitifs Tony Conrad et La Monte Young,
l’instrumentiste Harry Partch, l’archiviste du son Harry Smith, les collages
minimalistes de György Ligeti, et des groupes actuels comme AMM, Jackie O.
Motherfucker ou Boxhead Ensemble. Leurs toutes premières prestations scéniques
tenaient d’ailleurs plus de la performance que de la musique live : durant une
demi-heure ils jouaient la même note sur leurs différents instruments.
Progressivement, leur style et leur assurance prenant forme, chaque soir
donnait lieu à des improvisations. Ils ont de même commencé très tôt à
s’accompagner de projections vidéos et 16mm sous la forme de séquences en
boucle, aussi abstraites que les photos qui illustrent leurs pochettes. Sans aucun
jeu de lumière, les musiciens restent dans l’ombre jusqu’au bout.
Slow riot for new zero Kanada (1999)
Bien que le groupe n'ait jamais cherché la notoriété, c'est avec cet E.-P. qu'ils vont attirer l’attention de la critique, ce qui va leur assurer une intense tournée de deux ans. Deux longs morceaux sans titres (11 et 18 minutes) le composent, complexes, épiques, enchainés sans temps morts, vecteurs d’une émotion empreinte de mélancolie et de grâce. Totale liberté est laissée à l’auditeur pour y trouver matière à narration. On est ici dans une musique qui se fait planante, support à rêverie. Musique dans laquelle s’immerger, pas pour danser, qui demande temps et attention. L’ambiance y est cependant plus sombre, plus trouble que sur le précédent disque. Le groupe commence à vouloir davantage témoigner d’un monde dont les valeurs sont en chute libre. La pochette contient une citation biblique (Jérémie, IV, 23-27) où les paroles du prophète, appliquées à notre époque, résonnent étrangement : « J’ai regardé et voilà, le pays de jardins : un désert, et toutes ses villes : ruines. »2 De même, on trouve imprimée la recette du cocktail molotov, sans doute pour appeler à la lutte. Au milieu du second morceau, un repris de justice, enregistré dans une station service de Toronto, est amené à réciter le discours plein de haine contre la société qu’il avait déclamé devant son juge. Toutefois, dans cet esprit de contestation, GYBE! appelle davantage à la vigilance et à la solidarité qu’à une action nihiliste. Ils lisent des textes politiques avant chaque concert dans le but d’éveiller la conscience des spectateurs. Les notes de pochette sont toujours pleines d’espoir et d’utopie : « Constituons de paisibles armées d’amis, marchons sur leurs tours de verre... Relevons les cathédrales tombées et réalisons des plans impossibles... » On y retrouve souvent le symbole d’un marteau sur lequel est écrit “hope” (détruire pour construire).
Bien que le groupe n'ait jamais cherché la notoriété, c'est avec cet E.-P. qu'ils vont attirer l’attention de la critique, ce qui va leur assurer une intense tournée de deux ans. Deux longs morceaux sans titres (11 et 18 minutes) le composent, complexes, épiques, enchainés sans temps morts, vecteurs d’une émotion empreinte de mélancolie et de grâce. Totale liberté est laissée à l’auditeur pour y trouver matière à narration. On est ici dans une musique qui se fait planante, support à rêverie. Musique dans laquelle s’immerger, pas pour danser, qui demande temps et attention. L’ambiance y est cependant plus sombre, plus trouble que sur le précédent disque. Le groupe commence à vouloir davantage témoigner d’un monde dont les valeurs sont en chute libre. La pochette contient une citation biblique (Jérémie, IV, 23-27) où les paroles du prophète, appliquées à notre époque, résonnent étrangement : « J’ai regardé et voilà, le pays de jardins : un désert, et toutes ses villes : ruines. »2 De même, on trouve imprimée la recette du cocktail molotov, sans doute pour appeler à la lutte. Au milieu du second morceau, un repris de justice, enregistré dans une station service de Toronto, est amené à réciter le discours plein de haine contre la société qu’il avait déclamé devant son juge. Toutefois, dans cet esprit de contestation, GYBE! appelle davantage à la vigilance et à la solidarité qu’à une action nihiliste. Ils lisent des textes politiques avant chaque concert dans le but d’éveiller la conscience des spectateurs. Les notes de pochette sont toujours pleines d’espoir et d’utopie : « Constituons de paisibles armées d’amis, marchons sur leurs tours de verre... Relevons les cathédrales tombées et réalisons des plans impossibles... » On y retrouve souvent le symbole d’un marteau sur lequel est écrit “hope” (détruire pour construire).
Lift your skinny fists like antennas to heaven (2000)
L’album de la consécration. Distribué à la fois au Canada, en Australie et en Europe, ce double CD (et quadruple vinyle) révèle un groupe au sommet de ses moyens. Ce qui justifie l’inattendu succès public dont il a pu bénéficier grâce à d’élogieux articles dans la presse spécialisée qui n’avait rien entendu d’aussi neuf depuis longtemps (Inrockuptibles, NME, etc.). Les musiciens accordent leurs premières interviews, pratique à laquelle ils refusaient jusqu’alors de se soumettre.
L’album de la consécration. Distribué à la fois au Canada, en Australie et en Europe, ce double CD (et quadruple vinyle) révèle un groupe au sommet de ses moyens. Ce qui justifie l’inattendu succès public dont il a pu bénéficier grâce à d’élogieux articles dans la presse spécialisée qui n’avait rien entendu d’aussi neuf depuis longtemps (Inrockuptibles, NME, etc.). Les musiciens accordent leurs premières interviews, pratique à laquelle ils refusaient jusqu’alors de se soumettre.
Poétiquement
dédiés à « tous les prisonniers du monde
» et à « l’humidité des rues à l’aube »,
les quatre morceaux de plus de 20 minutes qui le composent atteignent une
nouvelle ampleur. Les parties de cordes y deviennent symphoniques, souvent
accompagnées de cuivres ronronnants. Les manipulations et collages de bandes
magnétiques sont particulièrement bien
intégrés à l’ensemble. On y entend entre autres un
vieil homme regrettant l’époque où l’on pouvait dormir sur la plage de Coney Island
et des comptines d’enfants avec l’accent québécois. La succession de moments de
plénitude aérienne et de hargne lyrique gagne en richesse d’évocation. Lorsque
tous les instruments sont en phase autour de la section rythmique, le mur de
son mélodique qui en résulte n’est plus très loin de celui obtenu par Kevin
Shields avec My Bloody Valentine. De brusques arrêts interviennent toujours
pour relancer l’ensemble dans une nouvelle direction avec une grande fluidité.
C’est sans doute à ce jour leur travail le plus réussi, à la fois subtil,
intelligent et accessible, et dont l’écoute paraît inépuisable. Il faut dire
que les membres de GYBE! prennent le terme L.-P. dans sa plus large acception.
Leurs disques atteignent souvent la limite fatidique des 74 minutes.
Le
succès de Lift your skinny fists...,
en plus de permettre l’arrivée dans les bacs des productions antérieures de
GYBE!, attire l’attention sur toute cette scène musicale de Montréal qui
gravite autour d’eux (et de l’Hotel 2 Tango). Réunis depuis 1997 au sein du
label Constellation, Franckie Sparo, Exhaust, Fly Pan Am, 1-Speed Bike, Do Make
Say Think, Sackville ou l’étonnant duo violon/batterie Hangedup œuvrent dans
le même esprit de post-rock indépendant et politisé.
Ils se produisent régulièrement à La Casa Del Popolo, salle de concert de
Montréal qui leur appartient. Parmi ces groupes, citons The Silver Mt. Zion
Memorial Orchestra And Tra-la-la Band, ensemble formé dès 1999 par Efrim (piano,
guitare, chant), Thierry (contrebasse) et Sophie (violon, chant) de GYBE!. Leur
premier album se caractérise par un son paisible, très dépouillé, au contraire
du titre : He has left us alone but shafts of light sometimes grace the corner of our rooms. Ainsi, chant et
contrebasse seuls sont présents sur Movie
(never made). La formation s’est considérablement étoffée pour leur seconde
livraison, sans doute plus aboutie. Des cuivres les ont rejoints, la batterie
se montre plus souvent. Le livret contient un long tract dénonçant dans un
sursaut de désespoir rééllement touchant l’aliénation des individus dans la
société de consommation, et appelant chacun à agir. Certes, la naïveté menace
sans cesse ce genre d’utopies. Même si faire un disque est un acte vain dans
pareille lutte, cette démarche ambitionne avant tout de susciter en nous un
légitime désir de beauté pour un possible monde meilleur. Ainsi, The Silver Mt.
Zion n’est pas la récréation de musiciens qui seraient fatigués de penser, ou
lassés de jouer un rôle convenu. Ils prouvent que cette attitude politique
n’est pas une pose marketing. Il ne peut donc y avoir d’alternative. Etonnamment productif, le collectif a maintenu le cap, tout en proposant à chaque nouvel album de passionnants renouvellements.
Yanqui U.X.O. (2002)
L’attente est grande lorsque, deux ans après Lift your skinny fists..., le nouvel album de GYBE! sort, bénéficiant à nouveau d'une distribution internationale. Le disque est d’ailleurs enregistré à Chicago. Peut-être à cause du succès et de l’audience nouvellement gagnés, le propos politique du groupe semble passer au premier plan. “U.X.O.” signifie “UneXploded Ordnance”, terme qui recouvre les mines et toutes les bombes qui n’ont pas explosé et qui, enfouies nul ne sait plus où, menacent les civils dans des territoires déjà bien atteints par la guerre. “Yanqui” s’applique à « la police d’Etat internationale, à l’impérialisme post-colonial, et aux corporations oligarchiques multinationales » (comprendre USA).3 La face de la pochette est une image vidéo couleur (renvoyant ainsi plus à une réalité télévisée qu’aux lointaines actualités noir et blanc) d’obus larguées depuis les cieux. L’arrière est occupé par un schéma tracé de cette écriture manuscrite typiquement "godspeedienne", qui met en évidence les liens des fabricants de ces armes avec les quatre major companies de l’industrie du disque — AOL-Time Warner, BMG, Vivendi Universal et Sony — selon la logique de fusion-acquisition des grands trusts mondialistes. Le raccourci est saisissant qui mêle par exemple les labels Elektra et Rhino avec Warner Bros, General Motors et des missiles de croisière Tomahawk. Une nouvelle occasion leur est donnée de développer leur critique d’une culture aux mains de bourreaux capitalistes. GYBE! s’estimant inévitablement complice de ces ramifications croit encore possible d’y résister de l’intérieur, et avertit son public : « Bien que Godspeed soit coupable de tirer profit des détestables ventes en grandes surfaces, nous vous encourageons à éviter de donner de l’argent aux commerçants prédateurs et aux hypermarchés. » Le succès les embarrasse tout en leur permettant de donner plus d’audience à leurs idées. Cet engagement politique se poursuit de façon beaucoup plus évidente que sur les albums précédents avec le morceau d’ouverture : 09-15-00. Comme précisé sur la pochette, ce titre correspond au déclenchement de la deuxième intifada au Proche-Orient. C’est en effet le 15 septembre 2000, qu’Ariel Sharon se rendait avec l’armée israëlienne sur l’esplanade des mosquées de Al-Haram Ash-Sharif, acte reçu comme une provocation par le peuple palestinien.
L’attente est grande lorsque, deux ans après Lift your skinny fists..., le nouvel album de GYBE! sort, bénéficiant à nouveau d'une distribution internationale. Le disque est d’ailleurs enregistré à Chicago. Peut-être à cause du succès et de l’audience nouvellement gagnés, le propos politique du groupe semble passer au premier plan. “U.X.O.” signifie “UneXploded Ordnance”, terme qui recouvre les mines et toutes les bombes qui n’ont pas explosé et qui, enfouies nul ne sait plus où, menacent les civils dans des territoires déjà bien atteints par la guerre. “Yanqui” s’applique à « la police d’Etat internationale, à l’impérialisme post-colonial, et aux corporations oligarchiques multinationales » (comprendre USA).3 La face de la pochette est une image vidéo couleur (renvoyant ainsi plus à une réalité télévisée qu’aux lointaines actualités noir et blanc) d’obus larguées depuis les cieux. L’arrière est occupé par un schéma tracé de cette écriture manuscrite typiquement "godspeedienne", qui met en évidence les liens des fabricants de ces armes avec les quatre major companies de l’industrie du disque — AOL-Time Warner, BMG, Vivendi Universal et Sony — selon la logique de fusion-acquisition des grands trusts mondialistes. Le raccourci est saisissant qui mêle par exemple les labels Elektra et Rhino avec Warner Bros, General Motors et des missiles de croisière Tomahawk. Une nouvelle occasion leur est donnée de développer leur critique d’une culture aux mains de bourreaux capitalistes. GYBE! s’estimant inévitablement complice de ces ramifications croit encore possible d’y résister de l’intérieur, et avertit son public : « Bien que Godspeed soit coupable de tirer profit des détestables ventes en grandes surfaces, nous vous encourageons à éviter de donner de l’argent aux commerçants prédateurs et aux hypermarchés. » Le succès les embarrasse tout en leur permettant de donner plus d’audience à leurs idées. Cet engagement politique se poursuit de façon beaucoup plus évidente que sur les albums précédents avec le morceau d’ouverture : 09-15-00. Comme précisé sur la pochette, ce titre correspond au déclenchement de la deuxième intifada au Proche-Orient. C’est en effet le 15 septembre 2000, qu’Ariel Sharon se rendait avec l’armée israëlienne sur l’esplanade des mosquées de Al-Haram Ash-Sharif, acte reçu comme une provocation par le peuple palestinien.
Cette
inscription dans une actualité brûlante, ce travail dans l’urgence, dans un
sursaut de rage peut-être, ont sans doute pesé sur l’inspiration du groupe.
Certes, sur le deuxième morceau au titre en cohérence avec ce qui précède, Rockets fall on rocket falls, l’orchestre
s’ouvre aux sonorités des instruments à vent (cuivres divers, clarinettes).
L’ensemble reste très primaire, la sophistication du mixage et de la
composition n’est plus de mise. Et surtout il n’y a plus aucun extrait de voix.
Les morceaux donnent l’impression d’avoir été enregistrés en live. Cette
démarche ne pouvait être qu’en accord avec la présence au pupitre d’un grand
nom du studio, Steve Albini, guitariste de Big Black, producteur de Nirvana,
Pixies, Fugazi ou encore Palace, connu pour son refus d’un son trop maniéré.
Le résultat aboutit à un album plus direct, brut, composé dans un esprit sinon
de rupture tout au moins de surprise. Peut-être faut-il y voir une volonté de
ne pas donner aux fans ce qu’ils attendent, de revenir à une source d’énergie
plus primitive (= punk ?). Les musiciens de Godspeed You ! Black Emperor (le
point d’exclamation s’est déplacé) ne sont pas des perfectionnistes. S’ils sont
désormais rodés à l’improvisation, les sons propres ne les intéressent pas, ce
dont témoigne leur recours aux bruits d’ambiance et aux extraits de voix
enregistrés la plupart du temps en extérieur sur un magnétophone analogique.
Parrallèlement, au moment où Yanqui
U.X.O. semble abandonner le travail sur la matière sonore, ils se lancent
dans un projet ambitieux qui accepte au contraire de laisser l’environnement
sonore et spatial influencer directement leur jeu.
En juillet 2000, les membres de GYBE! se réunissent en un collectif de 13 musiciens, tous issus de groupes de l’écurie Constellation. Ce “super-groupe”, baptisé Set Fire To Flames, naît d’une idée proche du happening. Sans aucun plan préconçu, cinq jours durant, dormant peu ou pas, diverses substances toxiques (légales ou pas) à disposition, ils s’isolent dans une vieille maison croûlante de Montréal, avec leurs instruments et le matériel d’enregistrement. « [Nous voulions] passer cinq jours entiers à enregistrer des sessions en tant que séries d’expérimentations, afin de nous perdre dans le son en même temps qu’il se produisait. » Le risque était grand d’aboutir avec une telle expérience à une pose artistique stérile, sans garantie de résultat. Ils se lancent dans l’aventure, nourris par l’envie de savoir si des improvisations dans de telles conditions peuvent être fertiles musicalement, comment les individualités pourront s’y exprimer, comment le collectif va s’organiser. En espérant que la magie opère, sachant que le tout trouvera sa forme dans un studio de mixage numérique. Des 20 heures de bandes est tiré le disque Sings reign rebuilder, distribué en Europe par le label britannique Fatcat records.
La
grande force de l’enregistrement tient à son concept d’élaboration qui fait
ressentir la présence du lieu, révélant la texture sonore qui le définit. On
devine que les micros se sont baladés dans les escaliers, des objets sont
déplacés, les murs, cognés. Il ne s’agit pas de construire les morceaux à
partir de rythmes qui auraient été artificiellement produits avec des objets
sur place. La maison semble avoir pris vie et habite chaque seconde du disque.
Le plancher craque, les portes et lits de fer grincent. Le lieu devient
musicien, il est immortalisé dans cet enregistrement, en cohérence avec les crédos
poétique et politique des artistes : « Depuis
1878, cette maison a servi de foyer pour de très nombreux gens, animaux et
fantômes. Vos bulldozers peuvent faire des allumettes de l’escalier branlant et
arracher les lattes du parquet, mais ils ne peuvent effacer l’enregistrement
qui a été fait ici. » De même, la place à été laissée aux bruits de la rue
(circulation automobile, sirènes de police, chants d’oiseaux). Les habituels
documents sonores, quant à eux, ont été mixés en studio. Par ses textes et ses
photos, l’emballage tente de donner un support visuel aux impressions sonores.
Le livret a gagné en épaisseur mais conserve un flou général qui laisse
travailler l’imagination, rendant compte des conditions de l’expérience que
peut alors partager l’auditeur.
Telegraphs in negative/mouths trapped in static
(2003)
Bénéficiant d’un accueil favorable, l’expérience Set Fire To Flames sera renouvellée fin 2002, donnant lieu cette fois à un double CD. Dans les mêmes conditions d’enregistrement, ils installent cette fois leur groupe éléctrogène et leur 24-pistes à la campagne dans une batisse abandonnée (qu’ils comparent à une cathédrale). Les bruits de machines, d’électronique et de micros sont plus présents, au détriment des passages rythmiques et mélodiques. Le résultat donne un disque moins facile à l’écoute, la surprise est passée. L’exercice tourne à la démonstration scientifique du vieil axiome : les mêmes causes produisent toujours les mêmes effets.
Toutes ces expériences ont réellement éloigné le groupe nommé Godspeed des studios et il faudra attendre 2010 pour que paraisse un nouveau disque : Allelujah ! Don't Bend ! Ascend ! Cet enregistrement est certainement leur moins accessible à ce jour, faisant la part belle aux expérimentations sonores, au détriment des séductions rythmiques ou mélodiques. L'auditeur est invité à subir une forme de transe bruitiste et à rester plongé dans un climat particulièrement oppressant. Mais les risques pris par ces Canadiens continuent à en faire un des groupes les plus passionnants à suivre aujourd’hui. Je n'ai pas encore posé d'oreilles sur leur cinquième album sorti cette année Asunder, Sweet And Other Distress’.
(2003)
Bénéficiant d’un accueil favorable, l’expérience Set Fire To Flames sera renouvellée fin 2002, donnant lieu cette fois à un double CD. Dans les mêmes conditions d’enregistrement, ils installent cette fois leur groupe éléctrogène et leur 24-pistes à la campagne dans une batisse abandonnée (qu’ils comparent à une cathédrale). Les bruits de machines, d’électronique et de micros sont plus présents, au détriment des passages rythmiques et mélodiques. Le résultat donne un disque moins facile à l’écoute, la surprise est passée. L’exercice tourne à la démonstration scientifique du vieil axiome : les mêmes causes produisent toujours les mêmes effets.
1. comme GYBE!, Sigur Rós joue en s’immergeant dans un environnement précis. Leur album () a été enregistré dans le bassin vide d’une piscine.
2. traduction tirée de La Bible,
Editions Bayard/Mediaspaul, Paris/Montréal, 2001
3. ainsi défini sur le site du label Constellation.
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